Trans*Semiosis: escrituras, cuerpos y textiles

Trans*Semiosos: escrituras, cuerpos y textiles

Emma Segura, Junio 22

Trans*semiosis: escrituras, cuerpos y textiles es un laboratorio de exploración transmedial. Interesa profundizar en la producción de significados a partir de la escritura textil, así como trascender la textualidad tradicional, para la aplicación de una trans*semiosis, en la que forma y significado proliferan, individual y colectivamente, de sentidos desbordantes. Quienes asisten participan de una extensión de su cuerpo, al escribir, desde el código textil, un tejido colectivo, donde convergen puntadas, nudos, patrones, hilos, hilachas, fieltrados, pelo, sangre, agujas, punzones, que posibilitan connotaciones encarnadas al margen de la creación participativa y disidente contra las categorías esenciales. 

El lenguaje, como acervo simbólico, opera sobre soportes de significación coherentes con el signo lingüístico-textual a través de medios tradicionales que le han conferido funcionalidad. La materia significante, acústica o gestual, ha centralizado la función comunicativa, desplazando otros medios de producción de significados, metáforas y sentidos. La escritura alfabética, por ejemplo, presenta una constitucionalidad regulada, por cuanto sonidos forman grafías, grafías componen palabras, palabras constituyen cláusulas, cláusulas conforman oraciones, párrafos y discursos. Es decir, la forma y el significado se gramaticalizan, en configuración con una sintaxis que, aunque recursiva y combinatoria, se traba en su descodificación y lectura interpretativas.

Dicho esto, en una acción de desposesión, desestabilización y recuperación de la pluralidad semiótica, ¿se puede hablar de escrituras textiles? Con certeza, no se trata de una mera traducción de códigos textuales a textiles, pues, en el sistema textil, encontramos una trans*semiosis que conjuga forma y significado de manera desbordante y multiforme. Las fronteras imaginarias se difuminan entre texto y textil para evidenciar que estos medios, como ilaciones, posibilitan el entrecruzamiento, el encadenamiento y la hibridación de sus soportes simbólicos. En ambos, el punto medular son las corporalidades mismas, situadas, cambiantes, transitorias, creadoras, lectoras y comunicadoras de significados. Finalmente, las formas son transgredidas, suspendidas, puestas al filo de las agujas, como inscriptoras y productoras de sentidos únicos y vitales.

 

Emma Segura

Roberto André Acuña

“Trans*semiosis: escrituras, cuerpos y textiles” abrió el espacio a un ritual de aprendizaje colectivo en el cual Segura invitó al público a “soltar el miedo,” a ser espectadores activos, a evidenciarnxs con la expresión misma del cuerpo y los sentidos sobre el textil. La exposición puso en evidencia cómo las escrituras, los cuerpos y los textiles convergen en una sinergia creativa de inscripción de significados a partir de la escritura textil.

Segura transformó el salón expositivo en una aula didáctica de texto~textil, por medio de tres pasos:

i. LEER / reflexionar

ii. VER – sentir – tocar – interiorizar (que nxs atraviese el cuerpo)

iii. HACER – ACCIONAR = COMPARTIR

Personas Valientes

Personas Valientes

Valiente Pastel y Amigues, Junio 2022

Valiente (adj.)

i. Que actúa con valor y determinación ante situaciones arriesgadas o difíciles.

ii. Que implica o denota valentía.


¿Por qué soy valiente?

“Realmente soy una persona muy temerosa y con muchas angustias. Sin embargo trabajo día a día en vencer esos miedos, sin importar lo que digan lxs demás, o si tomé la mejor decisión. Soy valiente por creérmela; por querer compartir un poco de mis ideas con el mundo, por llegar a descubrir qué soy, y ver qué puedo hacer más de lo que pensaba que podía. Seguir creando y produciendo me hace una persona valiente.”

@valientepastel

Pensamos valientes a  todas las personas que afrontan sus miedos personales; esas personas que trascienden las normas conductuales asociadas a una sociedad heteronormativa y patriarcal; quienes son auténticos, honestos y transparentes consigo mismos y lxs demás. 

 

“Personas Valientes” fue la segunda exposición de Jorge Ramírez, conocido como Valiente Pastel, en satisFACTORY. Pastel es un artista visual autodidacta que por medio de su obra habla con ironía y con humor sobre temas tan contemporáneos como la homosexualidad, lo homo erótico y el empoderamiento femenino. A través de un lenguaje informal, ingenuo o naive, Pastel devela, señala y juega con el juicio, la doble moral y el morbo humano. Para esta muestra Pastel reemplazó las fotografías y recortes de revistas porno intervenidas, por una selección de pinturas de pequeño a mediano formato que develaron un salto en la forma y en su exploración técnica pictórica. Vemos en el artista un interés por ser él quien pinte esas escenas cargadas de color, humor y del juego entre elementos, que caracterizan su obra en papel, en la cual juega con 

Rituales Sepultados

Rituales Sepultados

Marilyn Boror (GT) __ Abril 2022

Residencia de producción artística RITUAL

Curaduría _ Erika Martin Arroyo

Recuerdo una conversación con Tránsito, mi madre, en donde decía: 

«Si hoy se acaba el mundo ya tenemos todo». 

Ellos tenían quintales de maíz y frijol, pero ¿qué tendría la ciudad para sobrevivir?

__ Marilyn Boror

En Rituales Sepultados, Marilyn Boror Bor resignifica el pasado y pone en evidencia el presente de territorios saqueados y enterrados por el extrativismo como una forma más de colonización contemporánea. Esta exposiciónes conformada por símbolos de un ritual en honor a las mujeres de su pueblo y en resistencia al olvido de las tradiciones, los idiomas, los objetos identitarios y la indumentaria maya. 


Esta muestra refleja la hibridez de una mujer indígena que vive en la ciudad, sumergida en el cemento, desde donde resiste contra la expropiación de su pueblo por las cementeras que lentamente entierran y borran sus paisajes. El origen de estos rituales es San Juan de Sacatepéquez, un pueblo Maya-Kaqchikel ubicado a unos 28 kilómetros al norte de la ciudad de Guatemala, conocido como “la tierra de las flores”; este territorio es raíz y memoria en el cuerpo de Marilyn Boror, y por lo tanto, es el hilo del cual brota esta obra. A su vez, la muestra se nutre de diversas investigaciones recurrentes en la obra de la artista: el textil como lenguaje, los diversos métodos de colonización contemporánea, la indumentaria y cosmología maya, y la implementación de un pensamiento decolonizador sobre la historia, los objetos y el cuerpo. Las piezas de la artista son una serie de ritos que invocan un pasado, e intentan quebrantar la herencia colonial de territorios que hoy son víctima de gobiernos racistas, administrados por corrupción y sumergidos en prácticas neoliberales. Boror Bor ha creado un puente entre el cemento y la reinvidación de objetos lavados por el consumo y el extractivismo de una cultura desplazada e invisibilizada. 

 

Esta exposición está compuesta por un video y una serie de esculturas en las que vemos los escombros, las raíces, y cómo los hilos y el cemento se entretejen. En las esculturas el hilo se hunde en el concreto, a veces se libera y en otras piezas el concreto las consume. Sin embargo, ciertos elementos —hilos, hojas de plátano, cáscaras de maíz— abren camino, forman grietas y se manifiestan como envoltorios o vómitos de color (o de vida) que se desbordan del cemento. Boror Bor busca liberar, reivindicar y valorizar la semiótica textil, el lenguaje impregnado en los objetos, símbolos e indumentaria maya, cuyas prácticas y rituales son fuentes emancipadoras para los pueblos originarios. 


Rituales Sepultados invita a reflexionar sobre cuántos rituales hemos sepultado al occidentalizarnos y, ¿cómo hemos elegido borrar o enterrar el pasado? Marilyn Boror Bor hila metáforas cuyas narrativas señalan la muerte de la vida misma en las manos de un mundo occidental, que debilita los rituales cotidianos, mientras que la tecnología y las conductas extractivistas del capitalismo incrementan su poder.  

 

— Erika Martin

Alterar La Línea

ALTERAR LA LINEA

Semana del Diseño, Marzo 2022

Alterar la línea es una exposición temporal que aborda las formas de ver en 9 fotógrafxs de Costa Rica que suelen resaltar, producir y perfeccionar escenas que evocan varios productos de diseño y moda en el casco urbano del país. Esta muestra colectiva busca desviarse de la idealización comercial para formar un pequeño cúmulo de ‘alteraciones’ a la norma perfectible desde imágenes hechas en tiempo de ocio y naturalidad, que fueron capturadas con cámaras de celular, otras profesionales e incluso algunas desechables. El resultado da cuenta de varios ejercicios lúdicos entre la mirada y la sensibilidad. 

 

Las imágenes presentadas enuncian búsquedas o micro-obsesiones personales que conectan la tensión con la fantasía, además de presentar a sus realizadorxs como sujetxs comunicadorxs quienes indagan en la mirada individual y que a la vez comparten el mismo interés por crear entre la línea del arte y del diseño. Este ejercicio nace como una colaboración curatorial entre Erika Martin y Alejandro Ortiz, posterior al intercambio entre satis.FACTORY y Salón Fugaz.

Participan: Noldo, Alvaro Arroyo, Mariam Wo Ching, Juan Tribaldos, Yuri Orozco, Norma Gutiérrez, Leo Carvajal y Daniel Campos.  

Alejandro Ortiz (GT)

Es comunicador, periodista y realizador de imágenes. Investiga sobre arte y cultura en la región centroamericana. Su interés por el periodismo se basa en conocer acciones periféricas y disidentes de la sociedad. Ha escrito en medios como Terremoto (México), Prensa Libre (Guatemala), Dance to the Radio (Costa Rica), Salvajenada (México), El Amarillo (Colombia) y BeeHype (Polonia).

Aguas Vivas y Aguas Extintas

Aguas vivas y aguas extintas

Alfredo Ceibal, Febrero 2022

Dibujos de ensueño: la crisis del agua como protagonista en la obra de Alfredo Ceibal

En los últimos años la obra del artista guatemalteco Alfredo Ceibal, ha mutado gradualmente de la pintura a un medio más orgánico, sutil e inmediato: el dibujo. En el uso de esta técnica, él ha demostrado ser audaz, sin limitarse a los confinamientos de una hoja de papel, despreocupado por la común y errónea percepción del dibujo como una forma de arte menor. Al contrario, el artista ejemplifica las infinitas posibilidades de este medio y sus múltiples formas de juego. Explorando sobre diversas superficies, creando series extensas, de más de doscientas obras sobre papel, Alfredo Ceibal narra historias en las que relata, tanto la fantasía, como el malestar humano. Su obra expresa con belleza las maravillas del mundo y disfraza con delicadeza los horrores de la humanidad. En su trabajo es perceptible su visión política respecto a temas críticos como el dinero, las relaciones de poder, la apropiación, el placer, los excesos, entre otros. Alfredo Ceibal brinda una mirada decolonizadora y anticapitalista, una voz insistente en sensibilizar nuestra forma de ver, vivir y accionar.

En Aguas vivas y aguas extintas, el artista retrata la crisis del agua con sutileza y poesía. Por medio de una instalación que entreteje una hermosa y delicada serie de dibujos, trazados sobre diversas superficies y materiales, Alfredo Ceibal reflexiona y representa las consecuencias de una existencia humana desapegada, inconsciente y capitalista. Sus paisajes reflejan y contrastan la dualidad entre territorios que conservan aguas limpias y saludables, frente a territorios donde el capitalismo, la minería, los vertidos, los pesticidas, los derrames de petróleo y la codicia humana han explotado sus recursos acuíferos hasta convertirlas en páramos desposeídos de vida. Vemos en sus dibujos una mirada crítica al colapso de nuestro ecosistema, el fin de los recursos naturales y el deterioro de los paisajes de la Tierra. Sin embargo, ha trazado deliberadamente una línea que se extiende desde sus áridos y paradisíacos escenarios, a las paredes del espacio, lo que puede leerse como un signo de esperanza que conecta y abraza la instalación. Esta interconexión dibuja una analogía respecto a la interdependencia humana, en el intento de visibilizar que no somos cuerpos aislados el uno del otro, sino una sola masa dependiente de un mismo recurso, de un ecosistema social, económico, político y territorial. Aguas vivas y aguas extintas, es un reflejo del comportamiento humano sobre la tierra que habita y le da vida. En sus dibujos ejemplifica y señala la imposibilidad de seguir reproduciendo sociedades excesivas, consumistas y egoístas, ante un panorama tan crítico como el que se avecina. Si saqueamos los territorios que nos nutren, condicionan y dan vida, todo lo que nos rodea, incluyéndonos, perecerá. 

Propiamente, en esta muestra, el agua es el protagonista; Alfredo Ceibal habla sobre ella como fundamento vital. Es el mar en las costas que nutren el alma, un elemento en movimiento, sin principio ni fin, a ras de la superficie de la Tierra, por encima y por debajo de ella, como líquido, vapor o hielo. La exposición en su conjunto es un hermoso susurro que nos lleva a preguntarnos: ¿Qué implica un mundo sin agua?¿Extinción? Y si es así, ¿para quién? 

__ Erika Martin (curaduría)

Aguas Vivas y Aguas Extintas

La idea de buscar otros mundos en las profundidades del cosmos para abandonar la tierra, encontrar nueva vida y salvar a la humanidad de su extinción, parecerá algo iluso y fantasioso para muchos, pero en realidad no es es ni un disparate ni una alucinación, puesto que el recurso más importante que sustenta la vida en este mundo está siendo envenenado a una velocidad peligrosa y alarmante.

De manera insólita, y como si de una carrera siniestra se tratara, las élites que ostentan el poder sobre la tierra pierden precioso tiempo al hacer muy poco o nada para detener a quienes se encargan de verter todo tipo de venenos en los océanos y los ríos, los bosques y el aire, en nombre del capitalismo; sus ansias insaciables de poder económico y un supuesto progreso hacia ningún lugar. En consecuencia, el agua se vierte a cada instante- y por millones de toneladas- cualquier cosa que pueda acabar con la vida de cuanto ser vivo habita este mundo.

Distraída en sus ocupaciones cotidianas y decidida a continuar abriéndose paso hacia el futuro, la sociedad, valiéndose de sus modelos tradicionales contaminates, no logra ver a cabalidad el hecho de que la contaminación y los efectos del cambio climático avanzan más rápido que cualquier esfuerzo que se esté haciendo para detener sus efectos devastadores, los cuales, algún día la han de alcanzar, llevándola a su punto de no retorno y extinción. 

El tiempo fugaz pasa inadvertido y las fortunas, el poder económico e imperial, los logros absurdos que alimentan la vanidad humana y su ilusión de grandeza y glorias, ya no podrán salvarnos si las cosas se salen de control. Cuando esos tiempos lleguen los extintos paraísos serán apenas un recuerdo en la distancia, en medio del caos que traerá como resultado la indiferencia y el olvido. ¿Sabremos entonces a cabalidad lo que teníamos hasta el momento en que lo hayamos perdido…..?

 — Alfredo Ceibal

#XULVUELAPORVOS

#XULVUELAPORVOS

EXPOSICIÓN INDIVIDUAL MARILYN BOROR, Noviembre 2021

XUL [sul] || s. Flauta. Ocarina. Chirimía. Pito. Instrumento pequeño y hueco que produce un sonido agudo cuando se sopla por él.

En Guatemala, los guías espirituales o Aj’quij realizan las ceremonias mayas por medio del llamado al nahual Tz’ikin que significa pájaro guardián de todas las tierras del área maya. Este el intermediario entre Dios y el hombre, así como del cielo y la tierra, puesto que es el llamado de las abuelas y abuelos que permite que las personas se conecten con la energía del universo. Por lo tanto, produce la plena realización humana.

Además de representar la visión sagrada y la bonanza material, también está relacionado a la libertad, el mensajero, el tesoro, la suerte, el dinero y la conciencia global.

Es el llamado a las abuelas y abuelos pues permiten que las personas se conecten con la energía del universo. Asimismo, el proyecto es una invitación al viaje y al llamado de nuestros ancestros.

– 

En satis.FACTORY, este Llamado Ancestral convocó al público para juntes soplar a #xul y conectar con nuestros ancestros. 

Búsquenme para salir a jugar

Búsquenme para salir a jugar

10 al 17 de Noviembre, 2021

Cuerpo-dibujo: una metáfora de la convivencia humana

En Búsquenme para salir a jugar, Andrea Cambronero explora sobre su investigación del dibujo como acto performativo mediante una instalación que invita al público a dibujar-registrar sus huellas en el espacio. Esta artista-docente propone 10 rutas diversas del juego, señaladas por números del 1 al 10, y bajo una serie de instrucciones situadas al ingresar la sala guía al público a elegir tres de las diez rutas opcionales e hilarse en el camino. Junto con hilo y tijeras, cada número invita a un ejercicio personal, un momento para reflexionar, contemplar o accionar. Cada quien decide su ruta de activación y el movimiento de su cuerpo queda registrado en el espacio por medio del hilo que deben amarrar entre un número y el otro.

El tejido creado por el entrecruzado de los hilos en el espacio hace visible el recorrido de los cuerpos que se desplazan y dibujan en el espacio. Este tejido se extiende, tensiona, entreteje, altera y transforma con la participación de cada espectadxr. A su vez, los nudos, puentes y formas orgánicamente creadas por cada cuerpo obstaculizan el paso, y jugar se torna más complejo, con cada espectador que se anima a jugar.  

 

Sutilmente la artista nos obliga a tomar conciencia del cuerpo de los demás—poéticamente hilados en el espacio— dibujando una metáfora sobre la belleza y la complejidad de la convivencia humana: entre más personas somos, más formas se generan, aumenta el entretejido de cuerpos, los vínculos y más complejo se torna jugar (¿vivir?)

 

__ Erika Martin (acompañamiento curatorial)

“Pensar los distintos modos de un juego. A veces se ve como un relato que empatiza con sentires comunes, otras veces son preguntas a modo de conversación. También pueden ser pensamientos compartidos a través de palabras. Son viajes hacia lugares inesperados como el salir a mirar el cielo, pequeños destinos donde habitan diálogos con entornos diversos. Un juego deja dibujos visibles e invisibles. La imaginación, la interacción y el movimiento están implícitos, el juego es una decisión personal, hay quienes deciden jugar observando, hay quienes deciden jugar escuchando, hay quienes deciden jugar en silencio, solxs, cada quien con su modo de juego y todo eso está bien.”

__ Andrea Cambronero

Sobre Andrea Cambronero

Andrea Cambronero es una artista – docente inquieta por hilar la educación con el arte, el arte con la educación, y ambos, (arte <—> educación) con la acción. Su trabajo se caracteriza por distintas vertientes de investigación, por medio de las que teje poéticamente la vida, la pedagogía y el arte.

“Imagino desde la provocación: ese lugar que nos agita preguntas, miradas de curiosidad y deseos. Reconoer en la escucha las voces que habitan nuestro cuerpo y que dialogan con nuestros contetso como ejercicio afectivo de aprendizaje y creación de conocimiento. Veo lo pedagógico en sintonía con lo artístico, vinculada a la noción de que el arte requiere de la educación como la educación del arte.” 

Tómese su lechita

Jorge Ramírez es Valiente Pastel, y es valiente. 

Valiente fue sobrepasar el miedo y abrir una cuenta de instagram para visibilizar sus pinturas, lenguaje que aprendió empíricamente. Pastel (como le llaman sus amigos), habla con ironía y humor sobre temas tan contemporáneos como la homosexualidad, lo homo erótico y el empoderamiento femenino. Guiado por su ingenio, Valiente Pastel cuenta historias creando situaciones superpuestas sobre anuncios o fotografías de las cuales se apropia y transforma con su imaginario personal. Mediante sus pinturas intenta normalizar y satirizar comportamientos humanos y sexuales (como la pornografía) que usualmente se ocultan, resultan vergonzosos o son prohibidos por una sociedad conservadora. 

“Tómese su lechita” fue una expo-venta del artista emergente Jorge Ramírez, conocido como Valiente Pastel, a quien invitamos a exponer para otrxs adquirieran sus historias valientes.  

Rayones

Del 7 al 20 de junio del 2020, la artista visual costarricense Laura Astorga fue invitada ocupar el espacio de satis.FACTORY como estudio personal y zona de creación. Este tiempo se dividió en dos modalidades:

i. Primer semana (7 al 14 de junio): uso del espacio como Open Studio. Este tiempo se utilizó como estudio abierto que exponía informalmente dibujos originales, remate de retablos, reproducciones, entre otras piezas. Además se brindó durante esa semana una revisión y re-elaboración de su curriculum, declaración de artista, portafolio y posibilidades respecto al mejor uso de sus redes sociales, según los intereses y aspiraciones de la artista. 

Sobre Laura Astorga

La obra de Laura Astorga ejemplifica el infinito de una hoja de papel, y el desarrollo de una voz desde la línea, el trazo y el rayón. Laura utiliza el dibujo como una voz y una herramienta de resistencia ante aquello que le genera ira o frustración. Vemos en su trabajo una persona crítica y pensante que recurre a un discurso compuesto de humor, sarcasmo e ironía. En sus dibujos la línea es un elemento potente e incisivo a través del cual la artista destaca, deforma, opina y resalta comportamientos bestiales del ser humano y señala situaciones corruptas, desesperanzadoras, crueles y cómicas de su contexto socio-político inmediato.

ii. Segunda semana (15 al 20 de junio): presentación de la muestra “Rayones”, exposición individual de trabajos de técnica mixta sobre papel, que exhibían un nuevo lenguaje pictórico elaborado en el transcurso del 2020.

Rayones expone una serie de composiciones saturadas de color, creadas a partir del juego entre texturas, volumen y el uso de acuarelas, tinta china, crayolas, lápices de color, papeles adheridos, acrílico y marcadores sobre papel. En esta muestra no hay textos, ni líneas precisas o la brevedad común de sus dibujos, sino, una búsqueda por nuevos modos de representación sobre discursos recurrentes en su trabajo: la naturaleza, lo grotesco, lo intrínseco en el ser humano y la disyuntiva entre lo sublime y el horror.